Rebellion als Motor des künstlerischen Schaffens im 20. Jahrhundert
,
6 min Lesezeit
Bis zum Beginn des 20. Jahrhunderts konzentriert sich die Kunst durch ihre verschiedenen Strömungen auf die Darstellung der den Künstler umgebenden Realität. Ob es sich um Bräuche, religiöse Szenen oder Szenerien handelt, es scheint, dass alle Bildbewegungen ein gemeinsames Ziel haben, das Streben nach Schönheit.
Die Bewegungen, die sich aus diesem Moment ergeben, brechen radikal mit dieser Idee. Der italienische Futurismus beinhaltet die Maschine und Bewegung, macht Gegenstände wie Autos oder Flugzeuge zu Protagonisten und erklärt, dass die Industrie die neue Säule ist, auf der der Mensch steht, die eindeutig über die Natur trumpft. Der Kubismus mit seiner Dekonstruktion des Bildes ist der letzte Schritt zu Rebellion und Anarchie infolge von Perioden der Unterdrückung, aber auch inspiriert von der Notwendigkeit, die Form der dargestellten Elemente wiederherzustellen, die im Impressionismus verloren gegangen sind. Der Dadaismus, mit Schwitters und Duchamp an der Spitze, schafft das paradoxe Konzept der Anti-Kunst und entwickelt die Theorie der Absurdität, die Alltagsgegenstände preist und sie in Kunstgalerien bringt. Beispiele wie "Dynamism of a Cyclist" von Boccioni, "Guernica" von Picasso oder "The Fountain" von Duchamp machen deutlich, dass die konventionelle Kunst die Klassik und die Formalitäten repräsentiert und dass diese Künstler das neue Gesicht der modernen Kunst sind und Nichtkonformität.
Wenn wir ein paar Jahrzehnte überspringen und in die 50er Jahre vordringen, finden wir einen jungen Künstler, der mit Kitsch und Massenproduktion experimentiert. Wir sprechen über Robert Rauschenberg, der alle Anstrengungen unternimmt, um Kunst der Öffentlichkeit zugänglich zu machen und mit der Ernsthaftigkeit und dem kulturellen Elitismus des Abstrakten Expressionismus zu brechen. Rauschenberg ist die Inspirationsquelle für Künstler wie Roy Lichtenstein, Andy Warhol, Jasper Johns und James Rosenquist, Eltern der Popkultur.
Wie wir gerade erwähnt haben, war Kunst bis Mitte des Jahrhunderts rebellisch und revolutionär, wenn auch nur von wenigen verstanden. Diejenigen mit umfassendem akademischen Hintergrund und kulturellen Fähigkeiten hatten das Glück, zu verstehen und zu schätzen, was die Künstler repräsentierten. Noch weniger waren diejenigen, die neben diesen Eigenschaften die Kaufkraft besaßen, um einige der in Kunstgalerien gezeigten Werke zu erwerben. Dies ist der Moment in der Kunstgeschichte, in dem die Pop Art erscheint. Und die Sache ist, dass Pop nicht mehr und nicht weniger als eine Abkürzung für "populär" ist; Bei Pop Art geht es darum, Kunst zumindest kulturell den Menschen zugänglich zu machen.
In einer Zeit, in der die Konsumkultur ihren Höhepunkt erreicht hat, ist die Grenze zwischen Kunst und Werbung so schwach, dass sie verschwindet. Roy Lichtenstein nutzt die Ästhetik von Werbevignetten und Benday (gewebte Punkte, die ein für das Druck typisches Bild erzeugen) mit einer ironischen und sarkastischen Sprache, um sich der Öffentlichkeit zu nähern.
Andy Warhol (von dem wir in anderen Artikeln wie "Andy Warhols Idole" und "Andy Warhol: Marylin-Serie" gesprochen haben) bringt die Massenproduktion auf eine andere Ebene. Seine Darstellungen von Campbell's Soups und seine Porträts von Film- und Musikstars bringen das Gewöhnliche in die Kunstgalerie. Andy Warhol gibt dem künstlerischen Schaffen eine Wendung, indem er viele seiner Werke durch ein branchenübliches Druckverfahren wie den Siebdruck entwickelt. Auf diese Weise erweitert Warhol das Konzept des Populären durch den Entstehungsprozess seiner Werke.
Wenn wir rechtzeitig weitermachen, kommen wir in den 80ern an. Das Ende des Vietnamkrieges, die Feindschaft zwischen Russland und den Vereinigten Staaten und das Ende der glücklichen Zeiten der Disco-Ära machen diese dunklen Tage aus. Die Kunstwelt leidet und die Künstler, die frustriert sind, keinen Platz in den großen Galerien zu erreichen, gehen auf die dekadenten Straßen, wo sie einen Raum finden, um sich auszudrücken. So finden wir in der Kunstgeschichte DONDI (Donald Joseph White) und seine "Kinder des Grabes" (Titel eines Liedes von Black Sabbath). Wieder einmal treffen sich Kunst und Paradoxon auf drei U-Bahn-Wagen, die in der Öffentlichkeit illegal lackiert sind.
In einer Zeit des übermäßigen Konsums, in der Geld Macht und Glück bedeutet, setzen Künstler wie Jean Michel Basquiat, Keith Haring oder Bleck Le Rat alles daran, soziales Bewusstsein zu schaffen. Basquiat lässt unter dem Pseudonym SAMO die Tagging außer Acht, um Gedichte zu erstellen, die die Existenz eines Teils der marginalisierten und nicht privilegierten Gesellschaft enthüllten, der mit den von Geld besessenen Yuppies koexistierte. Keith Haring, Aktivist für Freiheit und Menschenrechte, nutzte seine Ausbildung in Grafik, um die Straßen und die städtischen Möbel mit seinem einzigartigen Stil neu zu dekorieren. Hinter seinen Darstellungen von Leben, Tod, Sex und Krieg standen gesellschaftspolitische Absichten. Bleck Le Rat wurde bekannt, nachdem er eine Rattenplage an den Wänden der französischen Hauptstadt verbreitet hatte, da sie laut diesem Künstler die einzigen freien Tiere sind, die in großen Städten zu finden sind.
Es ist unvermeidlich, die vielen Ähnlichkeiten zwischen Urban Art und Pop Art zu sehen. Beide Bewegungen verfolgen die Idee, Kunst der Öffentlichkeit zugänglich zu machen, entweder durch Malen, Drucken oder in den Straßenmöbeln in voller Sicht. Es ist auch üblich, wie wir bereits in unserem Artikel "Street Art, viel mehr als Graffiti" erwähnt haben, einen Hauch von Ironie, Satire und Parodie auf der Street Art, Säulen der Pop Art, zu finden.
So ist leicht zu erkennen, wie die jungen Stadtkünstler heute ihre Vorgänger als Referenz nehmen. Wenn wir uns die Werke von D*Face ansehen, ist der Einfluss von Roy Lichtensteins Comic-Vignetten leicht zu erkennen. Und wie letztere ist Sandra Chevrier inspiriert und verwendet den Comic, um beeindruckende Frauenporträts zu erstellen. Pure Evil verwendet wie Warhol das Bild der berühmtesten Gesichter des Kinos und der Musik, um seine Serie von "Albträumen" zu kreieren. Sicherlich ist der King of Pop auch eine Inspirationsquelle für Mr. Brainwash (wir können Kate Moss oder Andy Warhol in Werken dieses Künstlers sehen) oder Shepard Fairey. Invader nimmt etwas so Banales wie das künstlerische Bild von Videospielen und wir können die Mosaike in Städten auf der ganzen Welt, aber auch in den größten Galerien sehen. Es ist nicht zu leugnen, dass Bleck Le Rat Banksy inspiriert und er wiederum ebenso viele städtische Künstler anspricht.
Wir können sagen, dass Künstler seit Beginn der Avantgarde des 20. Jahrhunderts der sozialen und politischen Situation ihres Augenblicks einen Schritt voraus sind. Ob durch Nichtkonformität, Rebellion oder Ausdruck einer Idee, wir haben die Notwendigkeit beobachtet, mit den konservativsten und vorgefassten Ideen zu brechen. Dies hat seinen größten Exponenten mit dem Aufkommen der urbanen Kunst, die über ästhetische Erwägungen hinaus ethische Probleme untersucht, die sich aus Massenkonsum, Globalisierung oder Kapitalismus ergeben.
